Ventajas de aplicar las artes visuales en la educación

Ventajas de aplicar las artes visuales en la educación

• Explora el poder imaginativo y aumenta la confianza en ti mismo

Las artes visuales ayudan a los niños a representar sus pensamientos y habilidades y también les ayudan a explorar mientras realizan poderes originales y habilidades artísticas de forma creativa. Por lo tanto, es una forma de hablar para representar los sentimientos y la mente creativa de uno en la forma de vida.

• Proporcionar ayuda con las tareas escolares.

Estas artes también influyen en la escolaridad de los estudiantes, ya que sus habilidades de aprendizaje mejoran con la práctica de las obras de arte. Han mejorado mucho en la creación de aptitudes, ya que aprenden más rápido en comparación con personas que son menos dinámicas en las artes visuales.

• Mejorar las habilidades de coordinación

Los niños que realizan artes y manualidades a menudo aprenden a utilizar diferentes herramientas y métodos de artesanía, como tipos de pinceles, usos de colores específicos, videografía, técnicas de fotografía, etc.

• Aprender de artistas reales
Los niños, haciendo artes visuales, amplían sus vastos conocimientos ya que les gusta referirse a las obras de algunos de los artistas consagrados. La educación en artes visuales les ayuda a realizar análisis y habilidades para juzgar mientras mejoran su arte.

• Prestar atención y responsabilidad

Los niños aprenden a concentrarse y tener paciencia en cualquier trabajo que realicen. A veces, debido a las perturbaciones, tienden a perder la concentración, pero con la ayuda de las artes visuales aprenden a organizar y planificar una habilidad que les ayuda a concentrarse en sus tareas.

• Habilidades de toma de decisiones y determinación.

Con la ayuda de estas artes, los estudiantes aprenden a decidir, determinar y analizar una situación. También aprenden a analizar y desarrollar habilidades de pensamiento lógico. Todo esto les ayuda a decidir sobre diversas alternativas y al mismo tiempo tomar mejores decisiones para su trabajo.

Pintores dominicanos que dejaron huellas

• Celeste Woss y Gil

Celeste Woss y Gil fue la primera mujer dominicana en convertirse en artista profesional. Su padre era Alejandro Woss y Gil, quien fue presidente de la República Dominicana, por lo que pasó sus primeros años de vida en el exilio en Francia y Cuba. Además de ser artista plástica y profesora, fue una activista feminista y formó parte del movimiento sufragista. Estudió y expuso en Nueva York en la década de 1920. Además, en 1942 participó en la fundación de la Escuela Nacional de Artes Visuales.

• Yoryi Morel 

Yoryi Morel, ha sido considerado el pintor dominicano costumbrista por excelencia, y un pionero de esta disciplina en su país. Inició su educación artística a los 11 años, aunque desarrolló gran parte de sus habilidades de forma autodidacta. En su obra, cuyo hilo conductor es una paleta luminosa de influencia impresionista, hay paisajes llenos de color, escenas de la vida cotidiana y retratos de personas de la clase trabajadora.

• Guillo Pérez 

Guillo Pérez, cuyo nombre completo era Guillermo Pérez Chicón, nació en San Victor, Moca, provincia de Espaillat. Su medio preferido era el óleo sobre tela, con el que creaba expansivos paisajes a través del uso de la espátula y pigmentos de colores intensos. Considerado uno de los pintores dominicanos más prolíficos de todos los tiempos, Pérez también fue director de la Escuela de Bellas Artes de La Vega y la Escuela de Bellas Artes de Santo Domingo.

• Clara Ledesma 

Clara Ledesma fue una de las primeras mujeres en estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes de República Dominicana. Su obra estuvo influenciada por Marc Chagall, Joan Miró y Paul Klee, y mezcló elementos del expresionismo, el surrealismo y la abstracción.

• Cándido Bidó

Pintor, dibujante y escultor, Cándido Bidó es considerado uno de los pintores dominicanos más importantes de la historia. Originario de Bonao, Bidó dejó su ciudad natal para desarrollarse como artista. Sus cuadros son protagonizados por personajes del Valle del Cibao, donde pasó sus primeros años.

Las artes visuales en República Dominicana

Las artes visuales en República Dominicana 

En el siglo XIX se impone el academicismo con visos realistas y románticos en la plástica dominicana. Se destacan los temas costumbristas, el retrato y el paisaje. Entre los principales creadores se encuentraron Luis Desangles Civili, que desarrolló una importante producción artística en la República Dominicana y también en Santiago de Cuba, donde colaboró en la fundación de la Academia de Pintura y realizó pinturas al fresco de carácter religioso en su Catedral.  

También se destacan Leopoldo Navarro, Abelardo Rodríguez Urdaneta, quien además fue escultor y fotógrafo, Adriana Billini, que se formó en Cuba en la Academia de San Alejandro y además, Celeste Woss y Gil, artista nacida en 1890, que tuvo vínculos con las artes en Santiago de Cuba, ciudad en la que pasó parte del exilio político de su padre. Allí expuso y fue discípula de José Joaquín Tejada. Posteriormente viajó y estudió en los Estados Unidos, retornando luego a la República Dominicana, donde fue una innovadora de las artes plásticas y profesora de la Escuela Nacional de Bellas Artes.  

En la década del 40 se integran a la plástica desarrollada en nuestra media isla los artistas emigrados de España, debido a la Guerra Civil, entre ellos Manolo Pascual, primer director de la Escuela Nacional de Bellas Artes, fundada en 1942, el muralista José Vela Zanetti, el escultor, ceramista, dibujante Antonio Prats Ventós, Eugenio Granell poeta y pintor, José Gausachs, pintor y dibujante de líneas fluidas y hermoso colorido.  

En las décadas del 40 y del 50 se presentan los grandes artistas dominicanos Jaime Colson, Darío Suro y Gilberto Hernández Ortega, quienes se acercan en diferentes obras a la temática de lo afro dominicano, destacando una de nuestras raíces culturales. 

Ya en la década del 60 se destacan las artistas Rosa Tavárez, de factura expresionista y excelente trabajo de los matices de rojo y de otras tonalidades, Elsa Núñez cuyas figuras elegantes y estilizadas son reflejo de su vida y temperamento. Silvano Lora y José Ramírez Conde quienes desarrollaron un arte renovador, comprometido socialmente y estuvieron vinculados al grupo "Arte y Liberación". También hicieron una obra de gran valor formal y conceptual Eligio Pichardo, Domingo Liz, Fernando Peña Defilló, Leopoldo Pérez (Lepe)Ada Balcácer, Aquiles Azar García, entre otros artistas.  

A partir de los años setenta y ochenta del siglo XX, una pléyade de artistas dominicanos se ha formado proyectando sus obras dentro y fuera del país. Entre ellos se aprecia a Iván Tovar, que fue homenajeado en la reciente exposición inmersiva "Tovar. Surrealismo Vivo" realizada del 6 de abril al 6 de julio de este año en la plaza España, bajo la dirección artística de María Castillo con el apoyo de un excelente equipo de trabajo, auspiciada por la fundación Tovar y por el coleccionista Héctor José Rizek.  

Desde fines del siglo XX al hoy han ido surgiendo nuevas generaciones de artistas tales como el escultor Freddie Cabral con sus cuarenta años dedicado a la cerámica y al trabajo de la madera y el metal, el también escultor Manuel Barías con su excelente obra, Germán García y su Metamorfosis de color, geometrismo y fluidez, Lily Ayala que destaca en el uso del reciclaje, Pilar Asmar y su retorno al color, Iris Pérez, actual directora de la ENAV con su arte comprometido y maravilloso, José Ignacio Azar y sus corazones con secretos revelados, José Almonte con los aviones de papel, José Levy y su expresionismo crítico, Miguel Ramírez con sus instalaciones poéticas y Julián Amado como maestro del dibujo y el color. 

El arte en la primera mitad del siglo XX

 El arte en la primera mitad del siglo XX

El arte del siglo XX se caracteriza por una serie de movimientos y rupturas con respecto a las tradiciones anteriores. Uno de los momentos más significativos fue la desmaterialización del arte, que sacudió profundamente las formas artísticas de la época y cuya influencia perdura hasta nuestros días. Este fenómeno no hubiera sido posible sin las Vanguardias Históricas, un movimiento que abarcó a un amplio grupo de artistas y manifestaciones desde la segunda década del siglo XX hasta el final de los años treinta con la Segunda Guerra Mundial. En este espacio se abordarán los acontecimientos históricos del siglo XX, para que se entiendan las nuevas manifestaciones surgidas en este ciclo. 

El devenir del arte en el siglo XX tiene dos momentos que supusieron una ruptura con todo lo establecido anteriormente. Uno de los acontecimientos que surgieron en esta fue la desmaterialización que convulsionó al arte de aquella época y que llega hasta nuestros días, no hubiese sido posible sin un movimiento amplio que abarcó un gran grupo de artistas y manifestaciones, tales como la pintura, escultura, literatura…y que no es otro que el de las Vanguardias históricas, cuya duración abarca desde la segunda década del siglo XX hasta la explosión de la segunda guerra mundial al final de los años treinta.  

Las vanguardias artísticas de principios del siglo XX tenían un carácter contradictorio. Surgieron como triunfo del proyecto cultural moderno (que plantea un rechazo al pasado y búsqueda de progreso), y a la vez son una crítica al mismo proyecto modernista. La vanguardia no reconoce arte sin acción transformadora.  

La palabra vanguardia con relación al arte apareció por primera vez en el primer cuarto del siglo XX, en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que trataba de transformar la sociedad: la ciencia y la industria.  

Hay un quiebre con el pasado y la tradición. Comienza un proceso de experimentación y se reemplaza el producto por el proceso como fin de la intención artística. La ruptura no se da solo en el plano estético, sino también en el político. Estos grupos tenían claras ideologías y muchos de ellos eran activos militantes políticos. Con el tiempo vanguardia y política se fueron distanciando, aunque hoy en día podemos ver todavía algunos grupos que buscan expresar ideas o valores mediante su arte.  

Se puede considerar que los movimientos como una revolución del arte porque produjeron cambios profundos en el lenguaje de las artes. La constante búsqueda de lo nuevo y de ruptura con el pasado dio como resultado la renovación total del concepto de arte y sus límites. 

La vanguardia estaba vinculada con actitudes sociales progresistas. Más adelante, sobre todo a fines del siglo XX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político, y poco antes de la Primera Guerra Mundial, pasó a ser frecuente en la crítica artística, aplicándose a una tendencia concreta: Cubismo, Futurismo. La vanguardia artística es una búsqueda de renovar, experimentar y/o distorsionar un sistema de representación artístico.  

  

Las vanguardias que surgieron en la primera parte del siglo XX son las siguientes: 

1. El fauvismo, usa el color de manera irreal  

2. El futurismo, pensando en el futuro  

3. El cubismo, representaciones a través de figuras.  

4. El expresionismo, expresar emociones  

5. El dadaísmo, rompe el estado de cosas 

6. El surrealismo, se presentan un poco la realidad, pero este se basa en el mundo de los sueños.   

Dentro de este siglo, las artes visuales tuvieron un gran auge, abarcando la arquitectura, específicamente en la arquitectura moderna surge a partir de los cambios sociales y culturales producidos por la revolución industrial. Se comienzan a utilizar nuevos materiales en las construcciones y edificios; hierro, hormigón y acero. Empieza un proceso de construcción en altura, desde los edificios industriales hasta llegar a rascacielos. Otro aspecto de la arquitectura en el siglo XX es el abandono de ornamentos en pos de una arquitectura funcional. Algunos de los arquitectos más conocidos fueron Le Corbusier y Walter Gropius (director de la Bauhaus)  

En este mismo sentido, la fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un material sensible a la luz. Actualmente se utilizan cámaras digitales, por lo que las imágenes son guardadas en la memoria de esta. Si bien la fotografía se inventó en el siglo XIX, su auge fue en el siglo XX ya que no siempre fue considerada un arte. Lo que posibilitó el debido reconocimiento de la fotografía fue el gran interés por el [naturalismo], tendencia que buscaba imitar la realidad con un alto grado de perfección. 

En resumen, el siglo XX fue una época de innovación y transformación radical en el arte, con las vanguardias desempeñando un papel crucial en la redefinición de las artes visuales, la arquitectura y la fotografía. Estos cambios reflejan una búsqueda constante de lo nuevo y una ruptura con el pasado, consolidando así una nueva era en la historia del arte.

Los movimientos de las primeras vanguardias: futurismo, cubismos, dadaísmo y expresionismo.

 Los movimientos de las primeras vanguardias: futurismo, cubismos, dadaísmo y expresionismo

En la primera mitad del siglo XX se llevó a cabo la Primera Guerra Mundial (1914), la cual tras las catástrofes provocaron una reacción en contra de la sociedad de la época, dando paso a la creación de nuevos estilos artísticos, estos siendo llamados “Las vanguardias”.  

Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX. Su propuesta rupturista fue tan radical que más de un siglo después siguen siendo el prototipo del arte de vanguardia, dado que en la época se produce en el arte una auténtica revolución de las artes. Las vanguardias trajeron consigo una serie de valores contrarios a todo ese mundo convulso que provocaba situaciones miserables y desafortunadas.  

Las vanguardias se pueden definir como todo un conjunto de movimientos artísticos, o “ismos”, que surgen entre finales del siglo XIX y a lo largo del XX y XXI como reacción a un orden previo, una realidad establecida (P. E. V. C. D. Q. P. C. de M. G. (s/f)). En este mismo sentido, todo movimiento de vanguardia surge como un intento de lucha, de respuesta ante un protocolo o conjunto de protocolos previamente establecidos de los que el artista huye, como índole de toda una serie de condicionantes, para formar una nueva creación artística que rompa de lleno con lo anterior.  

Las vanguardias surgidas en la primera mitad del siglo XX son las siguientes:  

• Fauvismo  

El Fauvismo es el movimiento que cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Al importante es que los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo intenta pintar con la mente. 

Características del fauvismo 

El color plano, el espacio es plano en el cuadro, de manera que la perspectiva va a perderse en manos del color, la profundidad deja casi de existir y no existen focos de luz que organicen la superficie pictórica. 

Principales artistas: Henry Matisse, André Derain, Dufy,  Braque y Maurice Vlaminck. 

 

• Futurismo  

El futurismo buscó romper con la tradición moral y el pasado del arte y la poesía. Sus máximas eran la exaltación de la velocidad, la fascinación por la novedad tecnológica y lo relacionado con las máquinas y el movimiento. 

Características de futurismo:  

El futurismo consideraba que la velocidad era una virtud del momento y la exaltaba en sus obras, sentía atracción por la novedad y la tecnología, utiliza el movimiento y mayor dinamismo.  

Principales artistas: Filippo Tomasso Marinetti, Giacommo Balla, Gino Severini, • Umberto Boccioni, Carlo Carra, Luigi Russolo y Antonio Sant Elia 

 

• Cubismo  

Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia, nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad. 

Características de cubismo:  

Arte frío, poco expresivo, estático, usa figuras geométricas en las creaciones de las figuras desintegra las formas naturales en figuras angulosas. Se basa en la descomposición de la imagen tridimensional en multitudes puntos de vistas Bidimensionales, rechazando los valores de la perspectiva, el claroscuro. Además, usa un colorido pobre, opaco, basado en grises y ocres. 

Principales artistas: Pablo Picasso, Georges Braque, Louis Marcoussis, Juan Gris.  

 

• Expresionismo  

Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. 

Características del expresionismo:  

Es una pintura subjetiva que deforma y exagera, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños. 

Principales artistas: Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch. 

 

• Dadaísmo 

Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental y lo casual. Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. 

Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. 

Características del dadaísmo:  

Busca la destrucción y ruptura, a través de imitación, burla o lo Absurdo. Es un arte provocativo, inspirado en lo ilógico. 

Principales artistas: Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst, el fotógrafo Man Ray, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Georges Grosz 

 

Surrealismo  

Este se da bajo un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmund Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística. 

Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. 

Características del surrealismo:  

Se caracteriza por elementos oníricos e irracionales, como imágenes extrañas y absurdas, y utiliza técnicas como la automatización y la escritura automática para explorar el inconsciente.